> Статьи о монументально-декоративном искусстве \ Павел Шугуров "Монументальное искусство и public art"
 
Главная \ Статьи о монументальном искусстве \ Павел Шугуров "Монументальное искусство и public art"
_____________________________________________________________________________________
 

 

Монументальное искусство и public art

В последнее время, в среде культурологов и искусствоведов, все актуальнее встает вопрос о соотношении понятий, применяемых специалистами данной области в разных странах. Традиции разных культур не только предлагают различные ценности в качестве базисных, в качестве аксиом, но и, соответственно, разные системы понятий для описания и осмысления этих ценностей. Однако сегодня, когда средства связи, не двигая физических границ, объединили практически все страны мира в единое экономическое и культурное пространство, встала острая необходимость в универсализации локальных понятий и создании единой понятийной структуры. Важно, чтобы выстраивание такой структуры происходило не в ущерб никакой из объединяемых сторон.

Предметом сравнения данной статьи стали американское понятие public art и советское понятие монументальное искусство, перекочевавшее в современный российский обиход. Вопрос их соотношения все чаще встает на международных симпозиумах и конференциях, а так же в практическом диалоге художников, работающих в общественном пространстве.

Цель данного исследования – выяснить, что обозначают эти понятия, являются ли они равнозначными синонимами, или одно – это часть другого (если так, то в какой мере), или же они определяют разные направления искусства. Подробное рассмотрение современной российской «монументалки» (1), исследование причин ее «застоя» и кризиса может быть выделено в отдельную, возможно более важную, цель статьи. Совершенно очевидно, что монументальное искусство трансформировалось после «перестройки» и идейно и формально. Соответственно, искусствоведам и художникам следует либо отказываться от данного понятия, как от советского рудимента, искать новые или заимствовать старые определения у зарубежных коллег, либо менять формулировку и «имидж» собственного термина, встраивать его международную понятийную структуру.

Сразу оговоримся, что автор статьи будет настаивать на втором варианте (изменения формулировки, перестановки акцентов), потому что считает невозможным и безосновательным разрыв традиции; переживает, что потеря термина повлечет утрату школы, достижений и разработок советской «монументалки». Но давайте будем последовательны.

Русские специалисты предпочитают использовать термин рublic art, который дословно переводится не самым благозвучным словосочетанием - «публичное искусство», не переводя – паблик-арт, или разворачивая его устойчивым словосочетанием - «искусство в общественном пространстве».

Термином public art (2) называются произведения искусств, отвечающие двум основным условиям: 1) специально спроектированные для конкретного пространства (site-specific); 2) в расчете на «неподготовленного» зрителя. Кроме этих условий, других принципиальных ограничений для объектов public art нет. Они могут быть как постоянными, так и временными; как официально санкционированными, так незаконными; как огромными, так и крохотными. Под это понятие попадают и архитектурные сооружения, и праздничное уличное освещение, и театральные мероприятия на площадях, и даже поэтические чтения, например, в метро.

Однако два названных условия вместе очень точно определяют особенность public art и его отличий от другого рода искусств.

Современное искусство сгладило границы стилей, жанров и техник. Наиболее распространенные сегодня понятия синтеза искусств, смешанной техники, авторского стиля никак не определяют произведение и не типологизируют его. И даже специально созданные для конкретного пространства объекты (site-specific art (3)) могут не сильно отличаться от произведений «не привязанных» к месту своего экспонирования, которые принято называть станковыми (4). И те, и другие композиционно подчинены архитектонике формата, в который они вписаны (в первом случае – это может быть городской ландшафт, во втором – обычный листок бумаги). И те, и другие могут быть как зависимыми от контекста, в котором они создавались (например, воли заказчика, или личной биографии художника, или истории места), так и независимыми (интуитивными).

Сайт-специфичность только намечает границу между «общественным» искусством и станковым, называя род искусства, которое нельзя изъять из среды его экспонирования. Уточняет и окончательно обосабливает направление public art, второе условие – ориентированность на «неподготовленного зрителя», привлечение внимания местного сообщества, художественное изменение привычного для обывателя хода событий. Закрепившийся термин «неподготовленный зритель» - не совсем точен, но зато более благозвучен, чем подходящий по смыслу - «неготовый зритель». А подразумевается, как раз не человек, который ничего не смыслит в искусстве, а человек неготовый (не настроивший себя) к восприятию искусства здесь и сейчас. То есть public art как бы сам находит своего зрителя, иногда ненавязчиво, почти сливаясь с привычной для него средой, иногда, словно подкарауливая его и нападая. Это и есть главное отличие искусства в общественном пространстве: не публика ищет произведение, а произведение само находит свою публику.

Именно поэтому public art так актуален и популярен сегодня: он – доступен! Он доступен для понимания, потому что присутствует на позициях «гостя», и не занимает высокомерную позицию «хозяина», «господина» или «учителя», как актуальные эксперименты в галереях или шедевры в музеях. Он доступен, потому что не требует платы за любование собой. Он доступен, потому что соответствует современному ритму жизни, извините за сравнение, как фаст-фуд или мобильный телефон. Он не заставляет своего потребителя терять скорость и изменять маршрут, он сопровождает его.

Но, конечно, это только лишь видимость, только лишь технология. Public art – это искусство и как любое искусство, оно требует и внимания, и поклонения, и капиталовложения, и готово дарить своим почитателям все то, что те ждут от искусства (вдохновение, одухотворение, знания и развлечения).

Теперь самое время обратиться к рассмотрению, что же такое есть «монументальное искусство». Из нескольких определений самое, на наш взгляд, емкое и современное дает Большая советская энциклопедия: «Монументальное искусство - род искусств пластических; охватывает широкий круг произведений, создаваемых для конкретной архитектурной среды и соответствующих ей своими идейными качествами, а также зрительно-архитектоническим и цветовым строем. К Монументальному искусству относятся памятники и монументы, скульптурное, живописное, мозаичное убранство зданий, витражи, городская и парковая скульптура, фонтаны и т. д. (некоторые исследователи относят к М. и. также произведения архитектуры). Изобразительно-тематические композиции на фасаде и в интерьере, памятники на площади обычно посвящены воплощению и пропаганде в широких массах наиболее общих социальных и философских идей времени, увековечению памяти выдающегося деятеля или значительного события. Выступая в синтезе с архитектурой (см. Синтез искусств), произведения М. и. конкретизируют идейное содержание здания, ансамбля или архитектурно организованного пространства. Но зачастую они имеют относительно самостоятельное значение, являются важной доминантой ансамбля. Стремление выразить возвышенные идеи диктует величавый язык их художественных форм, масштабное соотношение с человеком, предметно-пространственной и природной средой (см. Монументальность). Ряд других произведений М. и. не несёт высокой идейной нагрузки и обычно играет в архитектуре роль аккомпанемента, декоративно организует поверхность стен, перекрытий, фасадов и т. п. (…)» (5)

Как мы видим советское определение монументального искусства намного современнее, чем его имидж, чем наше представление о нем, связанное обычно с советской пропагандой и функцией подавления тоталитарной властью своих граждан. Да, идеология стоит в фундаменте монументального искусства (от лат. monumentum — памятник, от monere — напоминать, внушать, призывать) (6), но, заметьте, как широко и контекстно она трактуется (словно с запасом развития и в постсоветское время): идеология должна соответствовать среде и своему времени, может быть как величаво-пафосной, так и минимально-декоративной – это зависит от комплексного средового замысла. Такая широкая трактовка была необходима советским ученым, чтобы выстроить преемственность советского искусства со всей историей искусств, начиная от первобытных росписей.

Единственное, что в термине монументальное искусство действительно устарело – это выделение его, как рода искусств пластических, т.е. не развивающихся во времени. Эта позиция продолжает прокладывать границу, там, где в современном искусстве ее быть не может. Во время смешения жанров и технологий, мало кто из художников сознательно будет ограничивать себя только «пластическими» искусствами. Проекты рождаются, как комплексные синтезы искусств, включающие интерактивные к зрителям и природным явлениям составляющие. Даже традиционное монументальное панно сегодня никто не проектирует без разработки концепции его ночного освещения, которое должно задавать произведению новый угол прочтения.

Таким образом, сопоставляя определения, можно сказать, что монументальное искусство – это наиболее профессиональная область public art. Так произведения монументального искусства не просто созданы для конкретной среды, они «конкретизируют идейное содержание» (7) среды, т.е. слиты с ней полностью; не просто рассчитаны на «неподготовленного» зрителя, а «посвящены воплощению и пропаганде в широких массах наиболее общих социальных и философских идей времени, увековечению памяти выдающегося деятеля или значительного события» (8).

Увековечивание – ключевое слово для монументального искусства, оно определяет не только идею и пластический язык произведения, но и выбор материала. Произведение временного характера, созданное из непрочного, недолговечного материала может считаться public art, но не может быть монументальным искусством, какими бы монументально-идейными достоинствами оно не обладало. Для монументальных произведений временного характера в советском искусствоведении использовался термин – оформительское искусство . Вот цитата из определения оформительского искусства: «Если монументальное искусство отражает дух эпохи в наиболее обобщённых, в известной мере непреходящих образах и создаётся из «вечных» материалов (камень, металл, смальта и т. д.), то оформительское искусство - это быстрая, нередко публицистически-острая реакция на сегодняшний день, в которой плакатный лаконизм образов сочетается с лёгкостью материалов, мобильностью конструкций, остротой пространственных и цветовых решений». (9) Конечно же, долговечные и, соответственно, дорогие материалы усиливают требования к профессионализму художника-монументалиста.

Какая же идея может занять центральное место в Монументальном искусстве, освободившееся от тоталитарной идеологии? Отсутствие однозначного ответа на этот вопрос, видимо, и есть причина современного кризиса данного рода искусств. Но, однозначного ответа и не может быть. Фундаментальных тем, современно-острых и в тоже время вечных – предостаточно. Зарубежные кураторы искусства ввели в искусствоведение термин sustainable art (10) (непреходящее искусство) и предлагают как вечные следующие темы: экологию, общественную справедливость, ненасилие, основы демократии. Автор данной статьи вместе со своими товарищами-художниками из Мастерской монументального искусства «33+1» выдвигает в центр своего творчества пять основных взаимосвязанных принципов, которым должно удовлетворять общественно значимое произведение искусства: функциональность, история места (дух места (11)), соответствие социальной среде, формально-композиционное соответствие окружающему визуальному ряду и воля автора (заказчика, художника). Подробно эти принципы расшифровываются в статье «Для кого творит художник?» (12), но, конечно же, это только один из возможных ответов на поставленный вопрос, разнообразие которых всегда и было основой эволюции монументального искусства и искусства вообще.

В западном искусствоведении термина не существует термина, обосабливающего профессиональный, идейный, социальнозначимый public art. Термины sustainable art (устойчивое, непреходящее искусство), environmental art (средовое, экологическое искусство), land art (ландшафтное искусство), mural (стенопись), которые подразумевают своим масштабом высокий профессионализм художника, называют актуальные направления или техники public art, но не прослеживают профессиональную традицию искусства в общественном пространстве в его развитии из глубины веков и, соответственно, не закладывают базу для его развития в будущем.

И российский термин «монументальное искусство», в его вышеизложенной трактовке и в прямом переводе «monumental art», бесспорно, мог бы обогатить универсальную теорию искусства, но для этого существуют некоторые трудности.

Для непосвященного словосочетание «monumental art» первой ассоциацией рождает образ чего-то огромного именно своими габаритами, а не величием и комплексностью замысла. Огромное станковое полотно, или гигантское граффити, или громадная скульптура, абсолютно «не вписанный» в среду plop art (13) могут ошибочно быть названы монументальными. Второй нежелательной ассоциацией «монументального» может быть - мемориальный, надгробный. И для того, чтобы переставить акценты с физического измерения на идейное содержание, придется проделать немалую разъяснительную работу. Но на благодарность этого труда указывает опыт «живучести» термина Монументальное искусство в российском искусствоведении.

Другой сложностью прививания может стать то, что монументальное искусство, как производное русской культуры, представляется литературоцентричным, поэтому – фигуративным. Но по определению это не так. Соответственно, термин не статичен и в этом направлении, допускает трансформации параллельные изменениям общественных отношений и ценностей, а так е готов к интернационализации.

К слову скажем, что с прививанием термина public art в России существуют не меньшие трудности. Временные интервенции ( art interventions (14)) «искусства в общественном пространстве», удивительности и чудачества художников на улицах: street installations (15) (городские инсталляции), graffiti ( граффити ) (16), flashmobs ( флеш-мобы ) (17) – вот, что обычно называется в современной России «паблик-артом». Все то, чего не было на советских улицах: 1) частного художественного волеизъявления в общественной среде ( street art (18)), 2) абстрактных форм, установленных временно или постоянно. Все то, что не было классифицировано, как монументальное искусство или оформительское искусство.

Но если мы хотим плодотворно общаться и сотрудничать в едином культурном пространстве, нам необходимо будет разрушить эти переходные толкования и все-таки выстроить единую понятийную структуру.

В заключение своего рассуждения мы предлагаем набросок такой структуры, объединяющий и структурирующий важные термины, включенные в public art.

Monumental-art_Public-art

-------------------------------------------------------------------

Примечания и ссылки

(1) Распространенное среди специалистов название Монументального искусства.

 

(2) Паблик-арт (Википедия) – искусство в городской среде, ориентированное на неподготовленного зрителя и подразумевающее коммуникацию с городским пространством. Термин паблик-арт относится к произведениям искусства, которые были созданы специально для расположения и демонстрации в общественном месте, чаще всего под открытым небом. Памятники, мемориалы и скульптуры, возможно, являются старейшими примерами официально санкционированного паблик-арта. Паблик-арт не ограничен физическими объектами - танцы, процессии, уличный театр и даже поэзия используются для создания паблик-арта. Некоторые художники, работающие в этой области, пользуясь преимуществами открытого пространства, создают масштабные произведения. Среди работ, созданных за последние 30 лет и встретивших восхищение критики и публики, работы Роберт Смитсон (Robert Smithson), Christo, NONDA и Энтони Гормли (Anthony Gormley), в которых произведение искусства вступало во взаимодействие или инкорпорировалось в окружающую среду. В 1960, греческий художник NONDA создал интерактивную выставку под мостом, посвященную поэту Франсуа Виллону. Паблик-арт обычно создается с разрешения и во взаимодействии с правительством или компанией, которая владеет или управляет местом. Некоторые правительства поощряют создание паблик-арта, например, с помощью финансовых механизмов.

 

(3) Site-specific art ( Википедия , http://en.wikipedia.org/wiki/Site-specific_art ) is artwork created to exist in a certain place. Typically, the artist takes the location into account while planning and creating the artwork. The actual term was promoted and refined by Californian artist Robert Irwin, but it was actually first used in the mid-1970s by young sculptors, such as Lloyd Hamrol and Athena Tacha, who had started executing public commissions for large urban sites (see Peter Frank, “Site Sculpture”, Art News, Oct. 1975). Site specific environmental art was first described as a movement by architectural critic Catherine Howett (“New Directions in Environmental Art,” Landscape Architecture, Jan. 1977) and art critic Lucy Lippard (“Art Outdoors, In and Out of the Public Domain,” Studio International, March-April 1977).

Outdoor site-specific artworks often include landscaping combined with permanently sited sculptural elements (the movement is linked with Environmental art). Outdoor site-specific artworks also include dance performances created especially for the site. Site-specific dance is also created to exist in a certain place. The choreography is generated through research and interpretation of the site's unique cultural matrix of characteristics and topographies, whether architectural, historical, social and/or environmental; discovering the hidden meaning in a space and developing methods to amplify it. Some artists make a point of commissioning music created by a local composer especially for the dance site. Indoor site-specific artworks may be created in conjunction with (or indeed by) the architects of the building.

More broadly, the term is sometimes used for any work that is (more or less) permanently attached to a particular location. In this sense, a building with interesting architecture could be considered a piece of site-specific art.

 

(4) Станковое искусство (Большая советская энциклопедия, http://www.bse.info-spravka.ru/bse/id_76148 ) - термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и (в отличие, например, от произведений монументального искусства или книжной иллюстрации) не предназначенные непосредственно для какого-либо сооружения, издания и т.д. Идейно-художественная выразительность произведений С. и. не изменяется в зависимости от места, где они находятся. Термин "С. и." произошёл от "станка", на котором создаются произведения С. и.; в живописи, например, им является мольберт. Широкое развитие С. и. получило с эпохи Возрождения и особенно в 19 в.

 

(5) Большая советская энциклопедия, http://www.bse.info-spravka.ru/bse/id_50702

 

(6) Монументальное искусство (Словарь по искусству и архитектуре, http://www.brainart.ru/vocabulary/14/monumental.php ) - (от лат. monumentum — памятник, от monere — напоминать, внушать, призывать)

Род изобразительных и декоративных искусств: термин монументальное искусство стоит в ряду таких морфологических понятий, как станковое и прикладное искусства, и означает принадлежность произведения к тому роду пространственных искусств, которые вместе с архитектурой непосредственно участвуют в формировании постоянной среды, создаваемой людьми для своей жизнедеятельности и тем самым отражающей характер своей эпохи: произведения монументального искусство служат одновременно формированию как общественного сознания, так и реального окружения людей.

Монументальное искусство следует отличать от родственного ему понятия монументальность в искусстве, так как не всякое произведение монументальное искусство обязано обладать качествами монументальности. По своему смыслу понятие монументальное искусство близко таким имеющим хождение терминам, как англ. art in architecture, environmental art, public art и нем. baubezogene.

Как обобщающее понятие термин «монументальное искусство» возник только в XIX — нач. XX в., хотя обозначаемый им род творческой деятельности восходит к древнейшим эпохам в истории человечества. Издавна монументальное искусство существует в конкретных своих проявлениях — архитектурных сооружениях, скульптуре, стенных росписях и т.д. К монументальному искусству относят те виды и жанры пространственных искусств, которые связаны с созданием репрезентативных сооружений или рассчитаны на пространство городских площадей, парков и предрасположены к взаимодействию (синтезу) друг с другом.

Наиболее значительные произведения монументального искусства участвуют в художественном осмыслении мироздания, устанавливая духовное, пространственное и масштабное соотношение с человеком, а в плане философском — со всем окружающим миром. Произведения монументального искусства в той или иной мере обладают качествами «большой формы», поскольку рассчитаны на восприятие издали и вблизи, не с одной, а с множества точек зрения, не изолированно, а вместе с людьми и всем окружением.

Для этого используются такие качества «большой формы», как масштабность и пропорциональность, гармония частей и целого, общая декоративность композиции, ясность ритмического строя, четкость силуэтов, повышенное звучание цвета. Существуют основные принципы, необходимые для всех произведений монументального искусства: соответствие образного содержания здания, статуи, росписи их функциональному назначению и месту в архитектурном пространстве, соотнесенность произведения с общим ансамблем и одновременно возможность некоторого выделения его из этого окружения. Область современного монументального творчества тяготеет к широкой палитре средств, участвующих в художественном преобразовании среды, — от трагедийных и празднично-репрезентативных до лирически-интимных и декоративных.

 

(7) Большая советская энциклопедия, http://www.bse.info-spravka.ru/bse/id_50702

(8) Большая советская энциклопедия, http://www.bse.info-spravka.ru/bse/id_50702

(9) Большая советская энциклопедия, http://slovari.yandex.ru/dict/bse/article/00056/50700.htm

(10) Sustainable art (Wikipedia, http://en.wikipedia.org/wiki/Sustainable_art ) has emerged as an art term that can be distinguished from environmental art or land art. Environmental art refers to a niche position within contemporary art and is associated with direct attempts to rectify the effects of environmental degradation, or art that is instrumentalised as a tool in environmental campaigns. The sustainability of art refers to issues that are of relevance to contemporary art as a whole.

There are a range of interpretations of the term 'sustainable art' available to artists and curators working with the concept of 'sustainability'. While some authors promote the concept of 'sustainable art' (e.g. Maja and Reuben Fowkes), other authors prefer the broader notion of 'sustainability arts' (e.g. Kagan and Kirchberg).Others reject the use of the term 'sustainable art', referring instead to 'artistic work that inspires us to think about sustainability" (Margot Käßmann).

The dilemma of sustainability was influentially described in the Bruntland Report in 1987 as "how to meet the needs of the present without compromising the ability of future generations to meet their own needs". Sustainable art is therefore the goal towards which artists concerned with the implications of sustainability for artistic practice are moving.

Sustainable art can also be considered to be art that is in harmony with the key principles of sustainability, which include ecology, social justice, non-violence and grassroots democracy.

Sustainable art may also be understood as art that is produced with consideration for the wider impact of the work and its reception in relationship to its environments (social, economic, biophysical, historical and cultural).

 

(11) Н. П. Анциферов «Душа Петербурга», Лениздат, 1991

(12) П. Е. Шугуров «Для кого творит художник?», журнал «ЖКХ-микс», СПб, лето, 2008

(13) Plop art (Wikipedia, http://en.wikipedia.org/wiki/Plop_art ) is a pejorative slang term for public art (usually large, abstract, modernist or contemporary sculpture) made for government or corporate plazas, spaces in front of office buildings, skyscraper atriums, parks, and other public venues. The term connotes that the work is unattractive or inappropriate to its surroundings - that is, it has been thoughtlessly "plopped" where it lies. Plop art is a play on the term pop art. According to artnet.com, plop art was coined by architect James Wines in 1969. The derisive term was eagerly taken up both by progressives (like Wines) and by conservatives. Progressives were critical of the failure of much public art to take an environmentally-oriented approach to the relationship between public art and architecture. Conservatives liked the term because it suggested something ugly, formless, and meaningless, produced without any real skill or care. The very word "plop" suggested something falling wetly and heavily - extruded, as it were, from the fundament of the art world, and often at public expense.

More recently, defenders of public art funding have tried to reclaim the term. The book Plop: Recent Projects of the Public Art Fund, celebrates the success of the Public Art Fund in financing many publicly placed works of art over the last few decades, many of which are now beloved, though they may at first have been derided as "ploppings". Several currents or movements in contemporary art, such as environmental sculpture, site-specific art, and land art, counterpose themselves philosophically to "plop art," as well as to traditional public monumental sculpture.

 

(14) Art intervention (Wikipedia, http://en.wikipedia.org/wiki/Art_intervention ) as a performance artist, with eyes closed, sits motionless for long periods balanced on an uncomfortable railing in Montmartre, Paris, FranceAn art intervention is an interaction with a previously existing artwork, audience or venue/space. It has the auspice of conceptual art and is commonly a form of performance art. It is associated with the Viennese Actionists, the Dada movement and Neo-Dadaists. It has also been made much use of by the Stuckists to affect perceptions of other artwork which they oppose, and as a protest against an existing intervention.

Although intervention by its very nature carries an implication of subversion, it is now accepted as a legitimate form of art and is often carried out with the endorsement of those in positions of authority over the artwork, audience or venue/space to be intervened in. However, unendorsed (i.e. illicit) interventions are common and lead to debate as to the distinction between art and vandalism. By definition it is a challenge, or at the very least a comment, related to the earlier work or the theme of that work, or to the expectations of a particular audience, and more likely to fulfil that function to its full potential when it is unilateral, although in these instances, it is almost certain that it will be viewed by authorities as unwelcome, if not vandalism, and not art.

 

(15) Street installations (Wikipedia, http://en.wikipedia.org/wiki/Street_Installations ) are a growing trend within the "street art" movement. Whereas conventional street art / graffiti is done on surfaces/walls "street installations" use 3-D objects / space to interfere with the urban environment. Like graffiti, it is non-permission based and once the object/sculpture is installed it is left there by the artist.

 

(16) Граффити (Словарь по искусству и архитектуре, http :// www . brainart . ru / vocabulary /04/ graphiti . php ) (итал. graffiti , от graffiare — царапать)

В первоначальном значении надписи или рисунки зачастую сатирического, карикатурного характера, обнаруженные на стенах античных памятников, на древних сосудах.

Граффити называют также современные надписи и рисунки, оставленные на стенах домов, монолитных оградах, в метро детьми или взрослыми. Граффити либо процарапываются в штукатурке, либо выполняются мелом, углем, любым оказавшимся под рукой материалом. Как проявление низового, «наивного» творчества граффити привлекали внимание многих современных художников, стремившихся освободиться от условностей, навязанных профессиональной выучкой и традицией.

Многие произведения Джоана Миро и Пауля Клее близки по стилю этим образцам ненормативного, уличного творчества. Пикассо особенно ценил в граффити предельный лаконизм, использование минимального количества графических элементов для обозначения лица, человеческой фигуры, характерного движения.

Французский художник Жан Дюбюф-фе использовал приемы граффити в своем «грубом искусстве» (см. Ар брют).

В 1960-х гг. в США, а в дальнейшем и в странах Зап. Европы возникло движение художников-любителей под тем же названием. Участники движения (часто принадлежавшие к национальным меньшинствам и маргинальным группам населения) стремились украсить унылую среду городских окраин. Они покрывали крупномасштабной живописью поверхности глухих стен, брандмауэров, бетонных ограждений. В их искусстве звучали мотивы социального протеста, критики общественной несправедливости. Для американских композиций граффити характерны экспрессия, яркая красочность, широкое использование популярной символики.

 

(17) A flash mob (or flashmob) (Wikipedia, http://en.wikipedia.org/wiki/Flash_mob ) is a large group of people who assemble suddenly in a public place, perform an unusual action for a brief time, then quickly disperse. The term flash mob is generally applied only to gatherings organized via social media or viral emails, rather than those organized by public relations firms or for a publicity stunt.

 

(18) Street art (Wikipedia, http://en.wikipedia.org/wiki/Street_art ) are is any art developed in public spaces — that is, "in the streets" — though the term usually refers to art of an illicit nature, as opposed to government sponsored initiatives. The term can include traditional graffiti artwork, stencil graffiti, sticker art, wheatpasting and street poster art, video projection, art intervention, guerrilla art, flash mobbing and street installations. Typically, the term Street Art or the more specific Post-Graffiti is used to distinguish contemporary public-space artwork from territorial graffiti, vandalism, and corporate art.

Owl, Mezer, Moss. Venice Beach , Ca.The motivations and objectives that drive street artists are as varied as the artists themselves. There is a strong current of activism and subversion in urban art. Street art can be a powerful platform for reaching the public, and frequent themes include adbusting, subvertising and other culture jamming, the abolishment of private property and reclaiming the streets. Other street artists simply see urban space as an untapped format for personal artwork, while others may appreciate the challenges and risks that are associated with installing illicit artwork in public places. However the universal theme in most, if not all street art, is that adapting visual artwork into a format which utilizes public space, allows artists who may otherwise feel disenfranchised, to reach a much broader audience than traditional artwork and galleries normally allow.

 

© Павел Шугуров, 2009
Директор Мастерской монументального искусства «33 плюс 1»

 

_____________________________________________________________________________________
Главная \ Статьи о монументальном искусстве \ Павел Шугуров "Монументальное искусство и public art"

 

______________________________________________

© Официальный сайт компании ООО "33 плюс 1".
Любое использование материалов сайта возможно только
с письменного разрешения администрации "33 плюс 1".

 

Rambler's Top100 Находится в каталоге Апорт